9 пута историја уметности инспирисала модне дизајнере

Линда Евангелиста у хаљини „Ворхол Мерилин“ Ђанија Версачеа, 1991; са Тхе Мондриан хаљином Ивес Саинт Лаурента, колекција јесен/зима 1965.; и хаљина из колекције одмаралишта Алекандер МцКуеен, 2013

Кроз историју, мода и уметност ишли су руку под руку, стварајући сјајну мешавину. Многи модни дизајнери су позајмили идеје из уметничких покрета за своје колекције, омогућавајући нам да тумачимо моду као облик уметности. Уметност нам углавном служи за изражавање идеја и визија. Као изузетна ода историји уметности, испод је девет носивих уметничких дела осмишљених од стране визионарских модних дизајнера20. век.

Маделеине Вионнет: Модни дизајнер који је каналисао древну историју

Крилата победа Самотраке , 2. век пре нове ере, преко Лувра, Париз

Рођен у северно-централној Француској 1876. Мадаме Вионнет био познат као архитекта кројачица.Током свог боравка у Риму, била је фасцинирана уметношћу и културом грчке и римске цивилизације и инспирисана античким богињама и статуама.На основу ових уметничких дела обликовала је естетику свог стила и комбиновала елементе грчке скулптуре и архитектуре како би дала нову димензију женском телу. Својом мајсторском вештином од драпинг и пристрасно кројење хаљина , револуционирала је модерну моду. Вионнет се често окретала уметничким делима попут Крилата победа Самотраке за њене креативне колекције.

Сличност између ремек-дела изхеленистичкиуметност и Вионетова муза је упечатљиво.Дубоки застор тканине у стилу грчког хитона ствара вертикалне траке светлости које се спуштају низ фигуру.Скулптура је настала као омаж Никеу, грчка богиња победе, и диви се због свог реалистичног приказа кретања. Текућа драперија Вионнетовог дизајна подсећа на кретање таласасте тканине која се лепи за Никеово тело.Хаљине могу бити као жива бића са душом, баш као и тело. Као Крилата победа Самотраке , Вионнет је креирао хаљине које буди људска бића. Класицизам, и као естетска и као филозофија дизајна, пружио је Вионету способност да своју визију пренесе у геометријској хармонији.

Бас-рељефна фриз хаљина од Маделеине Вионнет , фотографисао Георге Хоининген-Хуене за француски Вогуе, 1931, преко Цонде Наст

Вионнет је био фасциниран и модерним уметничким покретима, као нпр кубизам . Почела је да се укључује геометријске облике у њене креације и развио другачију методу за њихово сечење, названу биас цуттинг. Наравно, Вионнет никада није тврдила да је измислила пристрасни рез, већ само проширио своју употребу . Пошто су жене оствариле велики напредак у борби за своја права почетком 20. века, Вионнет је одбранила њихову слободу укидањем дуготрајног викторијанског корзета из дневне одеће жена. Стога је постала симбол жене ослобођење од сужења бистијера , иуместо тога лансирао нове, лакше тканине које сулебдећи на женским телима.

Да ли уживате у овом чланку?

Пријавите се на наш бесплатни недељни билтенПридружити!Учитавање...Придружити!Учитавање...

Проверите своје пријемно сандуче да бисте активирали претплату

Хвала вам!

Валентино и Хијероним Бош

Врт земаљских ужитака Хијеронимуса Боса , 1490 – 1500, преко музеја Прадо, Мадрид

Пиерпаоло Пицциоли је главни дизајнер Валентина. Религиозна уметничка дела из средњег векамного му се обраћају.Полазна тачка инспирације за њега је прелазни тренутак из средњег века у северну ренесансу. Сарађивао је са Зандром Рходес и заједно су дизајнирали инспиративну колекцију у пролеће 2017. Пицциоли је желео да повеже панк културу касних 70-их са хуманизмом и средњовековном уметношћу, па је назад на своје корена и ренесансе, проналазећи инспирацију у Хијеронимуса Боша сликарство Врт земаљских наслада .

Чувени холандски сликар био је један од најистакнутијих представници северне ренесансе током 16. века. Ин врт земаљских наслада које је Бош сликао пре реформације, уметник је желео да прикаже рај и стварање човечанства, прво искушење са Адамом и Евом и пакао, ишчекујући грешнике. На централном панелу изгледа да људи задовољавају своје апетите у свету који тражи задовољство. Босцхова иконографија истиче се својом оригиналношћу и сензуалношћу. Цела слика се тумачи као алегорија за грех.

Модели на писти на модној ревији Валентино пролеће лето 2017. током Недеље моде у Паризу , 2016, Париз, преко Гетти Имагес

У модни свет , слика је стекла популарност јер су њени мотиви били очарани разним модним дизајнерима. Мешајући ере и естетику, Пицциоли је реинтерпретирао Босцх симболи кроз лебдеће прозирне хаљине, док је Роудс креирао романтичне принтове и везене шаре, са суптилним климањем оригиналног уметничког дела. Боје су дефинитивно биле део поруке коју су модни дизајнери желели да пренесу. Тако је колекција лебдећих сањивих хаљина заснована на северњачкој палети боја јабука зелене, бледо ружичасте и црвенкасте јаје плаве.

Долце & Габбана и барок Петер Паул Рубенс

Венера испред огледала Питера Пола Рубенса , 1615, преко Кнежевске збирке Лихтенштајна, Беч; са Модна колекција Долце & Габбана за јесен/зиму 2020. фотографисала Нима Бенати , преко веб странице Нима Бенати

Петер Паул Рубенс мајсторски сликао жене, ' са љубављу, ученошћу и марљивошћу .’ Представио је своје Венера испред огледала као крајњи симбол лепоте. Рубенс је изузетно приказао њен светли тен и светлу косу која је у контрасту са тамнопутом слушкињом. Тхе огледало је крајњи симбол лепоте , који уоквирује жену попут портрета, суптилно наглашавајући голотињу фигуре. Огледало које Купидон држи за богињу открива одраз Венере, као представу сексуалне жеље. Рубенс, који је био један од оснивача Барокна уметност , и његов концепт у којем су боје важније од линија, утицао је на неколико модних дизајнера укључујући Долце & Габбана. Тхе Барокни стил одступио од духа на Ренесанса , напустио је мир и углађеност, и уместо тога тежио елеганцији, узбуђењу и покрету.

Пеаце Ембрацинг Пленти, Петер Паул Рубенс , 1634, преко Јејл центра за британску уметност, Њу Хејвен; са Долце & Габбана модна колекција за јесен/зиму 2020, фотографисала Нима Бенати , преко веб странице Нима Бенати

Модни дизајнериДоменико Долче и Стефано Габана желео је да направи кампању која ће величати сензуалну, али и романтичну страну женске лепоте. Петер Паул Рубенс је био најприкладнији извор инспирације. Креације иконичног дуа постале су у великој хармонији са уметношћу фламанског сликара. У овој колекцији, модели су позирали са великом племенитошћу, изгледајући као да су управо искочили са једне од Рубенсових слика. Пејзаж је дизајниран да подсећа на барокна огледала и детаље веза. Грациозност фигура и пастелна палета боја савршено су истакли брокатну розе хаљину. Избор модних дизајнера да укључе различите моделе још више је промовисао тип тела тог доба. Закривљене линије које су користиле Долце и Габбана биле су против дискриминације различитих типова тела у модној индустрији.

Портрет Ане од Аустрије, Петер Паул Рубенс , 1621-25, преко Ријксмусеума, Амстердам; са Модел Луцетте ван Беек на писти Долце & Габбана, јесен 2012 , фотографисао Витторио Зунино Целотто, преко Гетти Имагес

Женска колекција Долце анд Габбана за јесен 2012. приказује многе карактеристике италијанске барокне архитектуре. Ова колекција савршено се поклапа са веома китњастим карактеристикама Сицилијански барокни стил . Модни дизајнери су се фокусирали на барокну архитектуру каква се види у католичким црквама на Сицилији. Референтна тачка је била Рубенсова слика Портрет Ане од Аустрије . У њу краљевски портрет , Ана од Аустрије је представљена у шпанској моди. Анне'с црна хаљина је украшена , са вертикалним тракама зеленог веза и златним детаљима. Рукав у облику звона, познат као Шпански велики рукав је такође потпис у шпанском стилу, као и огрлица од чипке. Умјетно дизајниране хаљине и пелерине направљене од луксузног текстила попут чипке и броката украле су шоу Долце анд Габбана.

Историја уметности и моде: Ел Греков маниризам и Кристобал Баленсијага

Фернандо Нино де Гевара од Ел Грека (Доменикос Теотокопулос), 1600, преко Музеја Мет, Њујорк

Кристофер Баленсијага може се описати као прави модни мајстор који је реформисао женску моду у 20. веку. Рођен у малом селу у Шпанији, пренео је суштину шпанске историје уметности у своје савремене дизајне. Током своје каријере, Баленциага је био импресиониран шпанска ренесанса . Често је тражио инспирацију у шпанским краљевским породицама и члановима свештенства. Баленциага је трансформисао црквене комаде и монашку одећу тог доба у модна ремек-дела која се могу носити.

Једна од његових великих инспирација био је манириста Ел Греко, познат и као Доминикос Теотокопулос. Гледа у Ел Грецо'с кардинал Фернандо Нино де Гевара , постоји сличност између кардиналовог огртача и Баленсијагиног дизајна. Слика приказује шпанског кардинала Фернанда Ниња де Гевару из Ел Грековог времена у Толеду. Ел Грекове идеје су произашле из неоплатонизма италијанске ренесансе, а на овом портрету он представља кардинала као симбола Божије милости . Маниризам је присутан у целој слици. То је приметно у издуженој фигури са малом главом, у грациозним, али бизарним удовима, интензивним бојама и одбацивању класичних мера и пропорција.

Манекенка која носи црвени вечерњи капут од Цристобал Баленциага, Парис Фасхион Веек, 1954-55, преко Гоогле Артс анд Цултуре

Баленциагина страст према историјској одећи је очигледна у овом екстравагантном вечерњем капуту из његове колекције из 1954. Имао је визију и способност да поново осмислити облике у савремену моду . Преувеличан овратник овог капута реплицира врећасти кардиналов огртач. Црвена боја у кардиналовој одећи симболизује крв и његову спремност да умре за веру. Живописну црвену боју познати дизајнер је сматрао изузетном јер је често преферирао смеле комбинације боја и светле нијансе. Његова велика иновација била је елиминисање линије струка и увођење течних линија, једноставних кројева и рукава три четвртине. Радећи ово, Баленциага је направио револуцију у женској моди.

Дизајнер је представио и рукаве дужине наруквице, који су женама омогућили да покажу свој накит. Током 1960-их, док прогресивно увођење жена у радну индустрију када се дешавало, Баленциага је имао идеју да пружи удобност, слободу и функционалност женама које је облачио. Промовисао је лабаве, удобне хаљине које су биле у супротности са уским силуетама тог времена.

Симболизам Александра Меквина и Густава Климта

Испуњење Густава Климта , 1905, преко МАК – Музеј примењене уметности, Беч; са Хаљина из колекције одмаралишта Алекандер МцКуеен , 2013, преко Вогуе магазина

аустријски сликар, мајстор Симболизам , и оснивач Беча сецесија кретање, Густав Климт обележила историју уметности 20. века. Његове слике и уметничка естетика су дуго били ан инспирација за модне дизајнере . Између осталих као што су Аквилано Римолди, Л'Врен Скот и Кристијан Диор, дизајнер који је директно поменуо Климта био је Александар Меквин. У ресорт колекцији за колекцију пролеће/лето 2013. дизајнирао је јединствени комади за које се чини да су инспирисани сликаревим радом . Гледајући лепршаву црну хаљину са понављајућим златним узорком на врху – можда ће вам пасти на памет одређена слика. МцКуеен је усвојио апстрактне, геометријске и мозаичне узорке у бронзаним и златним тоновима уграђујући их у своје дизајне.

Године 1905. сликао је Густав Климт Испуњење , представа пара ухваћеног у нежни загрљај, који је постао симбол љубави. Аустријски сликар је познат по својим златним сликама, али и по савршеном споју апстракције и боје присутних у овим делима. Сви мозаици имају богате златне тонове са калеидоскопским или природним украсима који су имали велики утицај на моду. Ова слика је живахна због контрастних геометријских облика између одевних предмета двоје љубавника. Мушка одећа укључује црне, беле и сиве квадрате, док је женска хаљина украшена овалним круговима и цветним мотивима. На тај начин Климт маестрално илуструје разлику између мушкости и женствености .

Кристијан Диор, Тхе Дизајнер снова, И Клода Монеа Импресионистичке слике

Уметнички врт у Живернију, Клод Моне , 1900, преко Музеја декоративне уметности, Париз

Оснивач оф Импресионизам и један од највећих француских сликара у историји уметности, Клод Моне оставио за собом велики уметнички опус. Користећи свој дом и башту у Живернију за инспирацију, Моне је ухватио природни пејзаж на својим сликама. Конкретно, на слици под називом Уметничка башта у Живернију, успео је да природним пејзажом манипулише својим потребама. Контраст смеђе блатњаве стазе наспрам јарке боје цвећа допуњује сцену. Чувени импресиониста је често бирао цвет ириса због своје љубичасте боје како би дао ефекат јарког сунца. Ова слика је пуна живота, док цвеће цвета и грли пролеће. Латице ружа и јоргована, перунике и јасмина део су живописног раја, приказаног на белом платну.

Хаљина Мисс Диор од Цхристиан Диор Хауте Цоутуре , 1949, преко Музеја декоративне уметности, Париз

У истом духу, Цхристиан Диор , пионир француске моде, оставио је огроман траг у модном свету који се осећа и данас. Године 1949. дизајнирао је Хауте Цоутуре колекцију за сезону пролеће/лето. Један од врхунаца те изложбе била је икона госпођице Диор хаљина, у потпуности извезена цветним латицама у различитим нијансама ружичасте и љубичасте. Диор је савршено илустровао два света уметности и моде и имитирао Монеову естетику у овој функционалној хаљини. Проводио је доста времена на селу, цртајући своје колекције у својој башта у Гранвилу , баш као што је то урадио Моне. На тај начин он дефинисао елегантни „Диор“ стил , уграђујући палету боја и цветне шаре Монеа у своје креације.

Ив Сен Лоран, Мондријан и Де Стијл

Композиција са црвеном, плавом и жутом од Пиет Мондриан, 1930, преко Музеја Кунстхаус Цирих; са Мондриан хаљина од Ивес Саинт Лаурент-а , колекција јесен/зима 1965, преко Мет музеја, Њујорк

Мондријан је био један од првих уметника који је сликао апстрактну уметност у 20. веку. Рођен у Холандији, 1872. године, покренуо је читав уметнички покрет под називом Стил . Циљ покрета је био да комбинују модерну уметност и живот . Стил, такође познат као неопластицизам, био је облик апстрактне уметности у којој је коришћење само геометријских принципа и примарних боја, као што су црвена, плава и жута, комбиновано са неутралним (црна, сива и бела). Мондрианов иновативни стил раних 1900-их је натерао модне дизајнере да реплицирају ову чисту врсту апстрактне уметности. Најбољи пример Де Стијлове слике је Композиција са црвено плавом и жутом .

Као љубитељ уметности, француски модни дизајнер Ив Сен Лоран уградио је Мондријанове слике у своје креације високе моде. Прво га је инспирисао Мондријан када је читао књигу о уметниковом животу коју му је мајка поклонила за Божић.

Мондријан хаљине у Музеју модерне уметности Ива Сен Лорана, 1966, преко Кхан академије

Ив Сен Лоран је чак рекао: „Мондријан је чистоћа, а у сликарству не можете ићи даље. Ремек-дело двадесетог века је Мондријан.

Дизајнер је показао да цени Мондриана у својој колекцији из јесени 1965. године, познатој као Мондриан цоллецтион . Инспирисан сликаревим геометријским линијама и смелим бојама, представио је шест коктел хаљина које обележио његов култни стил и ере шездесетих уопште. Сваки од Мондриан хаљине су се мало разликовали, али свима им је био заједнички једноставан облик А-линије и дужина до колена без рукава која је ласкала сваком типу тела.

Елса Сцхиапарелли и Салвадор Дали

Три младе надреалистичке жене држе у наручју коже оркестра Салвадора Далија ,1936, преко Дали музеја, Ст. Петерсбург, Флорида

Рођен 1890. године у аристократској породици са седиштем у Риму, Елса Сцхиапарелли убрзо је изразила љубав према свету моде. Почела би да развија свој револуционарни стил инспирисан футуризмом, дадаист , и Надреализам . Како је њена каријера напредовала, она повезан са познатим надреалистима и дадаистима као што су Салвадор Дали, Ман Раи, Марцел Дуцхамп и Јеан Цоцтеау. Чак је сарађивала са шпанским уметником Салвадором Далијем. Његов естетски и надреалистички апсурд учинио је Далија најпознатијим сликаром Покрет надреализма .

Тхе Теарс Дресс Елса Сцхиапарелли и Салвадор Дали , 1938, преко Музеја Викторије и Алберта, Лондон

Један од највећих сарадње у историји моде била је она Далија и Елзе Скјапарели. Ова хаљина је креирана заједно са Салвадор дали , као део Сцхиапареллијеве циркус колекције из лета 1938. Хаљина се односи на Далијеву слику, на којој је приказао жене са исцепаним месом.

Фотографија Салвадора Далија и Елзе Скјапарели , ц.1949, преко Далијевог музеја

За надреалистичке уметнике, потрага за идеалном женом била је осуђена на пропаст , пошто је идеал постојао само у њиховој машти, а не у стварности. Далијева намера, међутим, није била приказују жене реално, тако да њихова тела нису нимало естетски пријатна. Сцхиапарелли је желео да експериментише са овом игром прикривања и откривања тела, дајући илузију рањивости и изложености. Хаљина за илузију суза је направљен од бледоплавог свиленог крепа, а отисак је дизајнирао Дали тако да личи на три жене са његове слике. Сузе откривају ружичасту доњу страну тканине, са тамнијом ружичастом која се открива у рупама.

Модни дизајнери и поп уметност: Ђани Версаће и Енди Ворхол

Мерилин диптих Ендија Ворхола , 1962, преко Тејта, Лондон

Тхе Поп Арт ера је вероватно била најутицајнији период за модне дизајнере и уметнике у историји уметности. Анди Вархол је био пионир комбинације поп културе и високе моде која га је учинила иконицом симбол Поп Арт покрета . Шездесетих година Ворхол је почео да практикује своју препознатљиву технику познату као сито штампа.

Једно од његових најранијих и несумњиво најпознатијих дела било је Мерилин диптих . За ово уметничко дело инспирисао је не само из поп културе већ и из историје уметности и сликара апстрактног експресионизма. Вархол ухватио два света Марили Монро, јавни живот холивудске звезде и трагична стварност Норме Џин, жене која се борила са депресијом и зависношћу. Диптих појачава живост на левој страни, док на десној бледи у мрак и мрак. У покушају да представљају друштво конзумеризма и материјализма , приказао је појединце као производе, а не људска бића.

Линда Евангелиста у хаљини „Ворхол Мерилин“ Ђанија Версачеа , 1991

Италијански дизајнер Ђани Версаће имао је а дуготрајно пријатељство са Ендијем Ворхолом. Обојица су били очарани популарном културом. У знак сећања на Ворхола, Версаче му је посветио своју колекцију за пролеће/лето из 1991. Једна од хаљина имала је Ворхолове отиске Мерилин Монро. На сукње и макси хаљине уградио је портрете Мерилин и Џејмса Дина који потичу из шездесетих година прошлог века.