4 култне уметничке и модне сарадње које су обликовале 20. век
Три коктел хаљине, посвета Питу Мондријану од Ерица Коха , 1965, преко Вогуе Франце
Везе између уметности и моде дефинишу специфичне тренутке у историји. Оба ова медија одражавају друштвене, економске и политичке промене од бурних двадесетих до раскошних осамдесетих. Ево четири примера уметника и модних дизајнера који су својим радом помогли у обликовању друштва.
1. Халстон и Ворхол: Фасхион Фелловсхип
Четири портрета Халстона , Енди Ворхол, 1975, Приватна колекција
Пријатељство између Роја Халстона и Анди Вархол је онај који је дефинисао уметнички свет. И Халстон и Ворхол су били лидери који су утрли пут да уметник/дизајнер постане славна личност. Скинули су претенциозну стигму света уметности и донели моду и стил масама. Ворхол је више пута користио ситосејање за производњу слика. Иако он свакако није измислио процес, он је револуционисао идеју масовне производње. Халстон је користио тканине и дизајне који су били једноставни и елегантни, али гламурозни са његовом употребом шљокица, ултра антилоп и свиле. Био је један од првих који је америчку моду учинио доступном и пожељном. Обе су дале дефинитиван печат уметности и стилу све до 1960-их, 70-их и 80-их, који и даље траје до данас.
Сарадња и комерцијални успех
Цвеће од Ендија Ворхола , 1970, преко Музеја уметности Универзитета Принстон (лево); са Лиза од Ендија Ворхола , 1978, преко Цхристие'с (центар); и Цвеће од Ендија Ворхола , 1970, преко Музеја уметности Тацома (десно)
И Халстон и Ворхол сарађивали су заједно на многим различитим пројектима. Ворхол би креирао рекламне кампање које су представљале Халстонову одећу, па чак и самог Халстона. У директнијој сарадњи, Халстон је користио Ворхолов цветни принт на неким од његових одевних предмета, од вечерње хаљине до комплета за салонке.
Халстон би користио једноставне дизајне у својој одећи, што их је учинило веома успешним. Били су једноставни и лаки за ношење, али су се и даље осећали луксузно са његовом употребом тканина, боја или принтова. Ворхол би такође поједноставио своје материјале и процес, што је олакшало репродукцију његових дела и учинило их продавнијим.
Да ли уживате у овом чланку?
Пријавите се на наш бесплатни недељни билтенПридружити!Учитавање...Придружити!Учитавање...Проверите своје пријемно сандуче да бисте активирали претплату
Хвала вам!Вечерња тоалета од Халстона , 1972, преко Музеја уметности Индијанаполиса (лево); са Хаљина и одговарајући огртач од Халстона , 1966, преко ФИТ музеја, Њујорк (центар); и Лоунге Енсембле од Халстона , 1974, преко Универзитета Северни Тексас, Дентон (десно)
Комерцијални успех је имао своје изазове за оба дизајнера. Халстон је био први који је 1982. године сарађивао са малопродајним ланцем ЈЦПеннеи који је требало да пружи купцима опцију по нижој цени за његове дизајне. Ово није било успешно за његов бренд јер се чинило да га је појефтинило, али је отворило пут будућим дизајнерима да учине исто. Ворхол је такође наишао на критике јер је његова продукција виђена као плитка и површна. Међутим, и једни и други су модернизовали употребу малопродаје и маркетинга у својим просторима како би створили брендове за продају на масовном тржишту.
Тхе Глитз Анд Гламоур
Диамонд Дуст Ципеле од Ендија Ворхола , 1980, преко Монсоон Арт Цоллецтион, Лондон (лево); са Женска хаљина, шљокице од Халстона , 1972, преко ЛАЦМА (десно)
И Ворхол и Халстон били су чести посетиоци Студија 54. Забављали су се, дизајнирали и продуцирали радове за познате личности као што су Лајза Минели, Бјанка Џегер и Елизабет Тејлор. Ови излети се одражавају у њиховим радовима јер су инспирисали и дефинисали диско еру 1970-их.
Халстон је познат по креирању вечерње одеће са пуним шљокицама. Полагао би шљокице на тканину хоризонтално. Ово ствара светлуцави ефекат материјала, који би користио за креирање омбре или патцхворк дизајна. Његови дизајни су биле једноставне силуете које су стварале лакоћу и покрет за плес. Његова употреба шљокица била је веома популарна међу звездама, укључујући Лајзу Минели која је носила његове дизајне за наступе и излете. Студио 54 .
Ворхолова серија Диамонд Дуст Схоес такође представља пример ноћног живота Студија 54 и утицаја славних. Дијамантска прашина је оно што је користио на сито-отисцима или сликама, стварајући додатни елемент дубине делу. Ворхолови отисци ципела у почетку су били идеја за рекламну кампању за Халстона. Чак је користио неке од Халстонових сопствених дизајна ципела као инспирацију.
Дизајнер који је постао славна почела је са Ворхолом и Халстоном. Није се радило само о врстама уметности и одевних предмета које су створили, већ ио њиховом друштвеном животу. Данас постоје модни дизајнери и уметници који су познате личности и то доприноси успеху њихових брендова.
2. Сониа Делаунаи: Вхере Арт Бецомес Фасхион
Соња Делаунаи са два пријатеља у студију Роберта Делаунаиа, 1924, преко Библиотхекуе Натионале де Франце, Париз
Сониа Делаунаи не само да је револуционисао нови облик кубизам али и замишљао везе између уметности и моде. И Делаунаи и њен муж су били пионири Орфизам и експериментисао са различитим облицима апстракције у уметности. Била је прва у својој врсти која је користила сопствени уметнички стил и прешла у свет моде користећи своје оригиналне текстилне дизајне, принтове или шаре. Више је упамћена по својој уметности и повезаности са мужем, а не по моди. Њена одећа је била на челу промена у женској одећи 1920-их. Њен каталог одевних предмета више се памти на фотографијама и референцама на њену уметност, а не на саму физичку одећу. За Делаунаиа, не постоји линија између уметности и моде. За њу су једно те исто.
Симултане и бунтовничка мода
Истовремене хаљине (три жене, облици, боје) од Сониа Делаунаи , 1925, преко Националног музеја Тхиссен-Борнемисза, Мадрид (лево); са Симултанеоус Дресс од Сониа Делаунаи , 1913, преко Националног музеја Тисен-Борнемиса, Мадрид (десно)
Делаунаи је започела свој модни посао 1920-их креирајући одећу за клијенте и дизајнирајући тканине за произвођаче. Назвала је своју етикету Истовремено и додатно је унапредила своју употребу боја и шара на различитим медијима. Симултанизам играла важну улогу у њеном процесу дизајна. Њена употреба технике је веома слична пачворк јоргану или текстилу из источне Европе. Боје се преклапају једна са другом, а обрасци се користе за стварање хармоније и ритма. Њене уобичајене теме укључују квадрате/правоугаонике, троуглове и дијагоналне линије или сфере - које се све преклапају једна са другом у њеним различитим дизајнима.
Табела 14 од Соње Делаунаи: Њене слике, њени предмети, њена симултана тканина, њена мода од Сониа Делаунаи , 1925, преко Националне галерије Викторије, Мелбурн
Делаунаи је била млада жена током Едвардијанска ера где су корзети и конформизам били норма. Ово се променило 1920-их када су жене носиле сукње изнад колена и широку одећу која је пристајала на кутију. Овај аспект је нешто што се може видети у Делаунаиним дизајнима, а она је била страствена у креирању одеће која одговара потребама жена. Дизајнирала је купаће костиме који су женама омогућили да боље учествују у спортовима који су раније спречавали начин на који су их играли. Постављала је свој текстил на капуте, ципеле, шешире, па чак и аутомобиле, чинећи сваку површину њеним платном. Њени дизајни су створили слободу кретања и изражавања кроз боју и форму.
Делаунаиов прелазак на филм и позориште
Ле П'тит Паригот аутор Рене Ле Сомптиер , 1926, преко ИМДБ (лево); са Костим за 'Клеопатру' у Балету Руссес у продукцији 'Клеопатра' од Сониа Делаунаи, 1918, преко ЛАЦМА (десно)
Делаунаи је током своје каријере прешла на филм и позориште. Дизајнирала је костиме за филм из 1926. године Ле П'тит Паригот („Мали париски“) Ренеа Ле Сомптјеа. И Делаунаи и њен муж су допринели филму, а њен муж је допринео сценографији коришћеној у филмовима. На левој страни, румунска плесачица Лизицаи Цодреану приказана је у једном од костима које је дизајнирао Делаунаи. Њена употреба сфера, цик-цак и квадрата је још један пример симултанизма. Цик-цак позадине стапа се са хеланкама костима. Диск који је окруживао лице плесачице био је тема која се понавља у Делаунаиовој моди.
Такође је креирала дизајне за 'Клеопатра' , од Баллетс Руссес. Слично као у сарадњи на филму, креирала је костиме, а њен супруг је радио на сценографији. Обојица су сарађивали једни са другима како би створили хармонично искуство за гледаоца. Клеопатрин костим има вишебојне пруге и полукругове који спајају њен апстрактни стил из 1920-их са традиционалним балетом.
3. Сарадња Елзе Скјапарели и Салвадора Далија
Ципела у облику шешира Сцхиапарелли аутора Елзе Скјапарели и Салвадора Далија , 1937-38, преко Вогуе Аустралиа
У првим редовима надреалистичка уметност је упарен са лидером на надреалистички начин. Салвадор дали и модни дизајнер Елса Сцхиапарелли сарађивали и инспирисали једни друге током својих каријера. Створили су иконске слике као што су Хаљина са јастогом , Шешир за ципеле (Далијева супруга, Гала горе) и Тхе Теар Дресс , који је шокирао и инспирисао публику како у уметности тако и у моди. Дали и Сцхиапарелли отворили су пут будућој сарадњи између модних дизајнера и уметника јер су премостили јаз између онога што се сматра носивом уметношћу и модом.
Јастог и Далија
Женска хаљина за вечеру аутори Елса Сцхиапарелли и Салвадор Дали , 1937, преко Филаделфијског музеја уметности (лево); Салвадор дали аутор Џорџ Плат Лајнс , 1939, преко Музеја уметности Метрополитен, Њујорк (десно)
Иако је јастог наизглед безопасан, заправо је пун контроверзи. Дали је користио јастози као тема која се понавља у његовом раду и био је заинтересован за анатомију јастога. Његова шкољка споља делује као скелет, а унутра има меку унутрашњост, обрнуто од људи. Јастог у Далијевом делу има и сексуалне тонове, који потичу из женско-мушке динамике.
Хаљина јастога је сарадња између два уметника са Далијем који скицира јастога који ће се користити на хаљини. Изазвао је много контроверзи када је први пут дебитовао Вогуе . Прво, има прозирни стезник и сукњу од беле органзе. Ова прозрачност, која показује једва видљиву слику тела модела, била је нешто сасвим ново у моди виђеној у масовним размерама. Употреба беле тканине такође је у супротности са црвеном бојом јастога. Бела се може сматрати невиним или означава чистоћу у поређењу са црвеном, што може значити сексуалност, моћ или опасност. Јастог је погодно постављен на сукњу да покрије карлични део жене. Овај положај је сличан Далијевој фотографији изнад, што даље означава женску сексуалност у односу на реакцију мушкараца на то.
Модел који је носио одећу Вогуе била је Волис Симпсон, супруга Едварда ВИИИ, који је абдицирао са енглеског престола да би се оженио њом. Ово је још један пример узимања контроверзне личности или слике у култури и претварања у нешто што треба поштовати.
Боне-Цхиллинг Стиле
Жена са главом од ружа од Салвадора Далија , 1935, преко Кунстхаус Цирих (лево); са Тхе Скелетон Дресс од Елзе Сцхиапарелли , 1938, преко Музеја Викторије и Алберта, Лондон (десно)
Скелети су још једна тема виђена у надреалистичкој уметности и коришћени су у више сарадње између Далија и Сцхиапареллија. Тхе Скелетон Дресс био први те врсте због своје тематике, али и због своје технике. Сцхиапарелли је користио технику тзв прошивена где су два слоја тканине спојена заједно стварајући обрис. Вата је уметнута у контуру, стварајући подигнут ефекат. Ова техника ствара текстурирану површину на равној тканини која даје илузију да људске кости вире кроз хаљину. То је изазвало скандал јер је хаљина направљена од лепљивог материјала који се лепио за кожу. Машта о Далијевим сликама и цртежима остварена је у физичком тродимензионалном свету Скјапарелијевом одећом. Дали је, као што је раније поменуто, био заинтересован за анатомију, а то се такође одражава на његов рад.
4. Ив Сен Лоран: Где се сударају уметност и инспирација
Хаљина инспирисана Пикасом од Ивес Саинт Лаурент-а од Пиерре Гуиллауд , 1988, преко Тимес ЛИВЕ (лево); са Птице аутор Жорж Брак, 1953, у музеју Лувр, Париз (десно)
Где је граница између имитације и уважавања? Критичари, гледаоци, уметници и дизајнери подједнако су се борили да одреде где је та линија повучена. Међутим, када се расправља Ивес Саинт Лаурент , његове намере су биле ништа друго до ласкање и дивљење уметницима и сликама које је користио као инспирацију. Гледајући његов обиман портфолио, Саинт Лаурент је био инспирисан културама и уметношћу из целог света, и то је уградио у своју одећу.
Иако Ив Сен Лоран никада није срео уметнике који су га инспирисали, то га није спречило да ствара дела као омаж њима. Лоран је инспирацију покупио од уметника као нпр Матиссе , Мондријан, Ван Гог, Георгес Бракуе ,и Пицассо . Био је колекционар уметности и имао је слике Пикаса и Матиса у свом дому. Узимање слика другог уметника као инспирације понекад се може сматрати контроверзним. Саинт Лаурент би, међутим, користио сличне теме као ови уметници и уградио их у одевне предмете који се могу носити. Узео је дводимензионални мотив и трансформисао га у тродимензионални одевни предмет који одаје почаст неким од његових омиљених уметника.
Поп арт и револуција 60-их
Коктел хаљина коју је носила Мјуријел, омаж Питу Мондриану, колекција високе моде јесен-зима 1965. аутор Ив Сен Лоран, фотографисао Луј Далмас , 1965, преко Мусее Ивес Саинт Лаурент, Париз (лево); са Вечерња хаљина коју је носила Елса, Омаж Тому Весселману, колекција високе моде јесен-зима 1966. од Ива Сен Лорана, фотографисао Герард Патаа, 1966 , преко Музеја Ив Сен Лоран, Париз (десно)
Шездесете су биле време револуције и комерцијализма и била је нова ера за моду и уметност. Саинт Лаурентови дизајни су попримили комерцијални успех када је почео да добија инспирацију Поп Арт и апстракција. Направио је 26 хаљина 1965. инспирисан апстрактним сликама Пиета Мондријана. Хаљине су оличавале Мондријанову употребу поједностављених облика и смелих примарних боја. Саинт Лаурент је користио технику у којој се не виде шавови између слојева тканине, чинећи да изгледа као да је одећа један цео комад. Саинт Лаурент је преузео Мондријанову уметност из 1920-их и учинио је носивом и повезаном са 1960-им.
Хаљине у модном стилу су класични примери стила из 1960-их где је практичност постајала све већи проблем за жене. Били су слични одећи из 1920-их, која је била мање спутана и имала је рукаве и рубове који су показивали више коже. Саинт Лаурент-ове кутијасте силуете омогућавале су женама лакоћу и кретање. То је такође довело до његове инспирације од поп арт уметника као нпр Том Весселманн и Енди Ворхол. Направио је линију дизајна инспирисаних поп артом који су садржавали силуете и изрезе на његовој одећи. Радило се о разбијању ограничења у погледу тога шта је апстракција у уметности и комерцијализацији дизајна. Лаурент је спојио ове две идеје како би створио одећу за жене која је била ослобађајућа и привлачна за модерну жену.
Артистри Ин Хауте Цоутуре Фасхион
Вечерњи ансамбли, омаж Винсенту ван Гогу, које су носиле Наоми Кембел и Бес Стоунхаус, колекција високе моде пролеће-лето 1988. аутор Ив Сен Лоран, фотографисао Гај Марино , 1988, преко Ивес Саинт Лаурент Мусеум, Такен
Тхе Винсент Ван Гог Јакне Саинт Лаурент су пример како је Саинт Лаурент комбиновао инспирацију других уметника и сопствене дизајнерске таленте. Као и његова друга одећа, теме везане за уметнике нису копиране и лепљене на одећу Сен Лорана. Уместо тога, одлучио је да их узме као инспирацију и створи комаде који одражавају његов сопствени стил. Јакна је репрезентативна за стил 80-их са својим снажним раменима и веома структурираним кутијастим изгледом. То је колаж сунцокрета извезених у сликарском стилу Ван Гога.
Сунцокрет јакна-детаљ од Ива Сен Лорана , 1988, преко Цхристие'с (лево); са Сунцокрети-детаљ од Винцента Ван Гогха , 1889, преко Ван Гоговог музеја, Амстердам
Ив Сен Лоран је сарађивао са кућом Лесаге Хоусе , лидер у вези са хауте цоутуре везом. Јакна од сунцокрета је извезена тубастим перлама које облажу ивице јакне и латицама и стабљикама сунцокрета. Цвеће је испуњено различитим нијансама наранџастих и жутих шљокица. Ово ствара вишедимензионални комад текстуре сличан Ван Гогховој техници наношења густе боје на платно. Процењује се да је то један од најскупљих комада високе моде који се прави, а продат је за 382.000 евра од Цхристие'са. Саинт Лаурент је премостио пут до тога како се мода може носити као уметничко дело само по себи.