Текстилна уметност: 6 најбољих уметника које треба да познајете

Ручни рад постоји већ дуго времена, али идеја да се шивење и вез могу сматрати уметношћу је прилично нова. Током историје, текстилна уметност се сматрала мањим обликом уметности у поређењу са сликарством или скулптуром. Био је то одговарајући хоби за жене, али не и нешто што је припадало галерији. Колико год била опресивна, она је такође пружала простор за креативно истраживање. Управо је ова двојна природа шивања и везења инспирисала феминистичке уметнице у САД и Великој Британији да почну да изражавају своје политичке идеје кроз текстилну уметност 1970-их и 1980-их. Данас се у музејима и галеријама широм света могу наћи радови великих уметника као што је Лоуисе Боургеоис.

1. Текстилна уметност Лоуисе Боургеоис (1911-2010)

Хистерично од Лоуисе Боургеоис , 2001, преко Арт Форума

Неколико уметница се икада подигло на исти ниво међународне славе као Лоуисе Боургеоис . Иако постоји неколико разлога за недостатак уметница у историји уметности па чак и савремених музеја и галерија, утицај Буржоа на шири свет уметности је неоспоран. Са каријером која је трајала седам деценија и два континента, уметница рођена у Француској била је једна од најплоднијих креативних снага свог времена. Њена најпознатија дела припадају чему Росалинд Краусс названа проширено поље скулптуре, али је била и врсни сликар, графичар, и што је за нас овде најважније, текстилни уметник. Буржоазија се често повезује са Надреализам , а у више наврата је излагала са апстрактни експресионисти, али никада званично није била члан ниједног покрета и њен уметнички стил је био веома јединствен.

У својим великим скулптурама и инсталацијској уметности, Буржоа је експериментисала са различитим материјалима који се нису сматрали уметничким све до друге половине двадесетог века. Гума, силикон, вуна и конац појављују се у читавом Боургеоисином опусу, на који су у великој мери утицала њена искуства из раног детињства.

Уметник је рођен 1911. године у Паризу, Француска. Њени родитељи су поседовали радионицу за рестаурацију античких таписерија, тако да је Буржоа имала искуство из прве руке у текстилном послу, иако је у почетку отишла да студира математику на Сорбони. До 1938. завршила је уметничко образовање и отворила сопствену галерију у Паризу. Исте године упознала је свог доживотног партнера, историчара уметности Роберт Голдватер, и преселила се са њим у Њујорк, где ће њена уметничка каријера наставити да напредује.

Лоуисе Боургеоис Роберта Мапплетхорпеа , 1982 (штампано 1991), преко Тејт музеја, Лондон

Да ли уживате у овом чланку?

Пријавите се на наш бесплатни недељни билтенПридружити!Учитавање...Придружити!Учитавање...

Проверите своје пријемно сандуче да бисте активирали претплату

Хвала вам!

Међутим, сећања Луиз Буржоа на време проведено у радионици њених родитеља и њихове сложене породичне односе никада нису престала да инспиришу њена дела. Идеје које су се развиле захваљујући открићу психоанализа показују у већини њених дела – појмови подсвести, сексуалности детињства, жеље, нежности, бола, мајчинства и смрти су истакнути кроз њен опус. Тхе слика паука , најпознатији приказан у јавна скулптура великих размера Маман из 1999. године, коју је сама Луиз Буржоа објаснила као приказ њене мајке: паметне, суптилне, промишљене и стрпљиве. Ова интеракција између ткања и мајчинства је такође важан аспект њених текстилних радова.

Пошто је од самог почетка била у блиском контакту са текстилом, Луиз Буржоа је осетила емоционалну везу са тканинама различитих врста, а шивење је било ресторативна, исцељујућа активност. Сакупљала је разне комаде текстила током свог живота, претварајући их на крају у дубоко интимне и повремено аутобиографски уметничка дела. Текстил се појављује на њеним цртежима, ручно шивеним илустрованим књиге од тканине , и фигуративне скулптуре. Док су њена дводимензионална текстилна уметничка дела била углавном апстрактна, геометријска и контемплативна, њена меке скулптуре били су веома органски и често чак експлицитни у свом односу према телу, сексуалности и репродукцији.

Проводећи деценије покушавајући да деконструише своје детињство, интимни живот и подсвесни ум, Луиз Буржоа је имала дубок утицај у много већим размерама – утирући пут генерацијама уметника који ће наставити да истражују не само различите врсте материјала, већ и различите врсте предмета у уметности. Иако није била члан ниједне групе или покрета, Луиз Буржоа је била кључна фигура у феминистичкој уметности, текстилној уметности и савременој скулптури.

2. Године Алберс (1899-1994)

Таписерија Анни Алберс , 1948, преко Мусем оф Модерн Арт, Нев Иорк

Рођена Анелиза Флајшман Анни Алберс био је немачки амерички текстилни уметник и графичар, један од првих који је пореметио уобичајену бинарност између уметности и заната. Као младу жену заинтересовану за сликарство, Алберс је обесхрабрио Оскар Кокошка да се бави уметношћу, али је упркос томе уписала Баухаус школа у Вајмару 1922. У то време школа није била много либерална када је реч о ликовно образовање жена , а Алберс је била спречена да се придружи радионици коју је желела са својим мужем Јосепх Алберс .

У почетку незаинтересована за оно што је веровала да је превише женствена и једноставна радионица ткања, Алберс је убрзо схватила пун потенцијал ове тактилне уметничке форме. Текстилна уметност ће постати њен главни облик изражавања четири деценије, а њени радови би на крају отворили пут другим уметницима у текстилу да стекну признање и даље истражују медиј. Алберсова ретроспективна изложба 1949. у Музеју модерне уметности у Њујорку била је прва изложба у тој институцији која је била искључиво посвећена текстилном уметнику. Чак и на њену каснију праксу графике дубоко су утицали увиди које је стекла ткањем, њом апстрактне литографије необичну сличност са геометријским шарама таписерија.

Оба Алберсова таписерија и графике инспирисани су Баухаусом и њеном близином уметницима попутПаул Клееи Валтер Гропиус . Са деликатним смислом за текстуру и хаптичке квалитете материјала, Анни Алберс је у свој рад укључила природне и синтетичке нити, метал и пластику, стварајући и велике и мале таписерије са геометријским шарама, високим контрастом и често уравнотеженом симетријом. Њени дизајни су пажљиво проучавани и скицирани у припреми за рад, а ова пажња према детаљима и осећају равнотеже може се пратити од њених раних текстилних радова до зрелих истраживања литографије и ситоштампе.

3. Јудитх Сцотт (1943-2005)

Унтитлед од Јудитх Сцотт , 2002, преко Музеја модерне уметности, Њујорк

Тхе прича о Џудит и Џојс Скот је једна од најзанимљивијих прича у свету уметности. Рођена са Дауновим синдромом, сада међународно призната вајарка Џудит Скот раздвојена је од своје братске близанке Џојс у доби од седам година. Због недијагностикованог губитка слуха у раном детињству, уметница је означена као необразована и послата из породице у приватну установу. Како у то време није било дубљег разумевања инвалидитета и менталног здравља, Џудит Скот је провела више од три деценије одвојена од своје сестре, лишена било какве образовне или естетске стимулације. Међутим, 1985. године њена сестра Џојс је постала њен законски старатељ и одлучила да је одведе у њен дом у Калифорнији. Две године касније, Јудитх је уписана у Уметнички центар креативног раста у Оукланду, где је на крају открила свој таленат за фибер арт.

Конац, вуна, тканина и пронађени предмети постали су новооткривени језик за Џудит Скот и убрзо је почела да ствара сложене скулптуре од тканине великих размера. Арт центар је одмах препознао њен таленат и пружио јој простор и слободу да користи све расположиве материјале за свој шаренило тотеми налик на чахуру и велике апстракције . Као да је коначно имала средства да изрази своје мисли и осећања, Јудитх Сцотт је радила на својим скулптурама пет дана у недељи до краја свог живота, произвевши укупно око 200 комада. Њени радови се сада могу наћи у многим музејима и галеријама широм света, повезани са покретима попут аутсајдерска уметност или Арт Брут . Наслеђе Џудит Скот, међутим, има дубље импликације на свет уметности уопште, постављајући нека суштинска питања о томе ко добија приступ уметности и стварању уметности.

4. Чихару Шиота (1972)

Неизвесно путовање од Цхихару Схиота , 2019. преко веб странице Цхихару Схиота

Чихару Шиота је а савремени јапански уметник радећи у областима перформанса и уметности инсталације. Најпрепознатљивија је по употреби црвеног и црног конца импресивне инсталације . Означавајући везе и међуљудске односе, дуге линије црвене нити су уплетене у мреже и испреплетене разним предметима као што су врата, кључеви, хаљине, књиге или чамци, стварајући апстрактне, али евокативне просторе у галеријским собама и музејима.

Рођена у Осаки, јапанска уметница је студирала у Кјоту, Канбери, а касније и Берлину, где је добила прилику да ради и учи од немачког уметника инсталација. Ребека Хорн , као и пионир уметности перформанса Марина Абрамовић . Схиота је стекла јавно признање и признање критике за своје радове већ 2000-их, али је стекла међународну славу након што је излагала за Јапански павиљон на 56. Венецијанском бијеналу 2015.

Испуњени симболизмом и суптилним поетским значењима, текстилна уметничка дела Чихаруа Шиоте истражују теме сећања, емоција, интимности, женствености, прошлости и наслеђа. Схиота највећа соло емисија икада, Душа трепери , у организацији Музеја уметности Мори, тренутно обилази свет. На изложби су представљени неки од њених најуспешнијих радова, нпр Неизвесно путовање , У тишини , Одраз простора и времена , и Повезивање малих успомена . Док њене препознатљиве мреже нити играју улогу у свакој инсталацији, свако дело се бави различитим квалитетима људског искуства, од женског тела до протока времена.

5. Шила Хикс (1934)

Стуб истраге/Додатна колона од Шила Хикс , 2013-2014, преко Музеја модерне уметности, Њујорк

Схеила Хицкс је амерички уметник са седиштем између Париза, Француске и Њујорка. Најпознатија је по свом великом скулптуралном текстилу јарких боја, експерименталним таписеријама и иновативном приступу ткању и уметности тканина. Слично као Чихару Шиота и Луиз Буржоа, Хиксова уметничка каријера је обликована путовањем у друге делове света. Рођена у САД након несреће на Волстриту, провела је већи део детињства на путу, са оцем у потрази за послом. Заинтересовала се за ткање као облик културног изражавања током година на Универзитету Јејл, и на крају је добила Фулбрајтову стипендију за проучавање древних техника ткања у Чилеу. Провела је много година у Чилеу и Мексику, учећи од традиционалних текстилних занатлија и одржавајући сопствене радионице. За Хикса, ткање и текстилна уметност представљају универзални језик који превазилази географију и границе.

Сакупљајући традиционално знање из различитих делова света, Шила Хикс је развила свој јединствени стил, који се састоји од смелих боја, сировина и иновативних приступа. Њена рана текстилна уметничка дела као што је Плаво писмо (1959) била су претежно дводимензионалне таписерије са равним површинама у боји и различитим техникама ткања, док су њени каснији радови постајали све више скулптурални. Њена колосална инсталација Есцаладе Беионд Цхроматиц Ландс изложена на Венецијанском бијеналу 2017. показала је и своје искуство путнице/текстилне антропологе и академске сликарке заинтересоване за теорију боја. Стуб истраге (2013-2014) такође је померио границе између текстилна уметност, скулптура и импресивна инсталација , супротстављањем меких, лабавих нити са архитектонским елементима зграде музеја. Инспирисани аутохтоним обичајима, њени радови су сада присутни у колекцијама великих музеја од САД до Европе и Азије.

6. Текстилна уметност Ел Анацуија (1944)

Без наслова Ел Анацу и, 2017, преко веб странице Ел Анатсуи

Ел Анатсуи је гански вајар и графичар са седиштем у Нигерији, који се најчешће повезује са уметницима из Нсукка Гроуп . Иако не ради директно са истим врстама материјала као други текстилни уметници, Ел Анатсуи укључује шивење у своју праксу. Радови који су овог афричког уметника привукли пажњу међународне јавности су његови велики текстилни уметнички пројекти као нпр таписерије/зидне завесе направљен од алуминијумских чепова за флаше и сличних металних честица повезаних бакарном жицом.

У својој пракси, Ел Анацуи комбинује интересовање за традиционално афричко знање и занате као што су ткање и дуборез са западним традицијама апстрактне скулптуре и графике. Његове инсталације на врху боца биле су изложене широм западног света у институцијама попут Метрополитен музеја, Бруклинског музеја и Венецијанског бијенала, мењајући неке од погрешних схватања о афричкој уметности и уметницима. Пронађени и рециклирани материјали присутни су у његовим радовима од 1990-их, у покушају да подвуче културне, економске и еколошке неједнакости савременог друштва и његове потрошачке путање. Они су такође везани за историју Африке, европску колонијалну експанзију и њене последице, од трговине робљем до појаве рума у ​​Африци. Упркос чврстој природи материјала, пракса шивања сваког елемента заједно ствара флексибилне, шарене и динамичне таписерије које се могу излагати у различитим околностима и итерацијама. Радови попут Блеединг Такари ИИ и Инк Спласх (2007) имају исти визуелни изглед таласасте тканине као да су направљени од конца или вуне.